京剧

洗尽铅华，仍得隽永

京剧，又称京戏，中国戏曲曲种之一，在舞台上活跃了上百年。京剧演绎、传播中国传统戏曲文化，被视为中国的国粹。随着时代风尚的变迁，京剧的发展也历经了复杂的过程。作为中国传统文化的重要组成部分，京剧于2010年被列入人类非物质文化遗产代表作名录。

京剧发展史

18世纪末，中国的戏曲声腔逐步形成了几个重要的系统，被称为“花部”或“乱弹”的民间地方戏，如高腔、弋阳腔、梆子腔、柳子腔等与格调高雅的昆曲荟萃一堂，中国戏曲艺术面貌空前繁荣。蓬勃兴起的“花部”孕育了京剧的萌芽。18世纪末，徽班之一的三庆班进入北京，参加乾隆皇帝八十寿辰演出。随后，四喜、春台、和春等徽班也相继进京。19世纪，随着戏曲艺术的整体繁荣，在京的徽班演员广泛融合徽剧、汉剧，并吸收秦腔、昆曲、梆子、弋阳腔等艺术的优点，形成了京剧。由于清朝统治者几乎人人爱看戏，京剧形成后在清廷内得到了空前繁荣。

20世纪二三十年代，京剧成为一种时兴且重要的消遣方式，其发展也进入兴盛时期。民国时期，中国的商业与文化发展到一定阶段，市民生活变得丰富起来。与曲高和寡的昆曲相比，京剧不受套曲形式的束缚，也不必执著于音韵、辞藻、典故，更多则是与当地方言俚语、民间调子结合，故而这种大众艺术受到了热捧，进入平常百姓家。以北京城为例，当时的昆曲剧场就已多达十几家，广泛分布在前门、大栅栏等地。

京剧流行之初，以演出“前朝旧事”的古典传统剧目为主。到了20世纪五六十年代，文艺为政治服务的思潮威胁着传统剧目的生存。“文革”开始以后，许多老艺人遭到迫害，所有京剧传统剧目一律被禁止演出，取而代之的是一统天下的八部“”。于是，现代京剧的题材开始仅仅围绕政治需要，京剧艺术被打上了鲜明的时代烙印。直到1978年以后，传统剧目才得以重新回归。

京剧的艺术特色

经过上百年的发展，京剧的演出人物被分为四大行当：生、旦、净、丑。生，是成年的男性角色，依年龄、气质不同又分为老生、武生、小生等，其中老生为剧里常见的男主人公。旦，女性角色的统称，包括青衣、花旦、武旦等。旧社会的传统妇女被要求目不斜视、笑不露齿、端庄稳重，这些理想的要求和束缚都可以在青衣的形象中找到。净，即观众通常看到的“花脸”形象。净分铜锤花脸、和武花脸。“无丑不成戏”。丑角或滑稽、活泼、伶俐或狡猾、贪婪、自私。丑行虽不如生行红火，但却需要高超的技艺才能演得惟妙惟肖。

脸谱，是京剧演员入戏的重要一环。其图案非常丰富，有几千种之多，每种脸谱都有特定的含义。脸谱最早以黑、白、红三色为主，后逐渐加入了其他色彩以丰富人物形象。脸谱勾绘精美，色彩鲜明，线条或粗或细，纷繁复杂。脸谱既能表明身份、明示忠奸，又能表露人物个性。一般来说，红脸表示忠勇耿直，黑脸表示粗放憨暴，蓝脸表示桀骜勇猛，白脸表示腹内藏奸……

唱、做、念、打，是京剧最基本的表演手段。每一个京剧行当都有特定的发声方法和演唱方法，且彼此间差异很大。唱，亦即京剧最重要的部分，主要为西皮和二簧两种唱腔。念，指念白，类似于旁白，主要用于叙事。做和打都是演员用肢体动作来表现一定情境的手段。这些表演手段结合脸谱、服装、舞台显得十分夸张，为观众出呈现一场视觉、听觉盛宴。

京剧的一大重要特点是口传心授，师徒面对面教学，而非从书本学习。京剧还要一种重要的承袭方式——子承父业。这两种关系相互缠绕，与京剧流派的形成密不可分。京剧最早以老生领衔，发展出了谭派、余派、言派、高派等十几个流派。旦行崛起后，又出现了梅派、尚派、程派等。最盛时期，各行流派多达几十种。

在京剧的辉煌时期，舞台上出现了一批空前绝后风光无限的艺人，其中尤以四大名旦——梅兰芳、尚小云、程砚秋、荀慧生为代表。生为男性，他们却要在言行举止、神情韵味上表现得与女性相仿，这既是京剧表演需求、时代审美风尚的促成，又是艺人对自我的挑战与要求。“要想人前显贵，必定得人后受罪”，一出《》，张国荣将花旦的角色诠释得惟妙惟肖，把观众的心紧紧拽住。

京剧的传承与发展

在今天这样一个开放多元的文化背景下，京剧的传承与发展面临着巨大的挑战。虽然有不少人甚至外国观众仍然对京剧痴迷，但京剧发展的困境仍然值得我们思考。

作为一种活态的艺术形式，其保护不能仅仅依靠传统手段，例如将其与电影、绘画、工艺品、服装等的有机结合将会给我们带来许多新思路。“无声不歌，无动不舞”，希望这种传统艺术能够获得真正的新生。